| Estrenada en cines | 2022 Drama | 1 ep. de 124 min.  Guion: Julian Fellowes.Dirección: Simon Curtis. Intérpretes: Hugh Bonneville, Laura Carmichel, Brendan Coyle, Michelle Dockery, Joanne Froggatt, Robb James-Collier, Elizabeth McGovern, Maggie Smith, Allen Leech, Jim Carter, Phyllis Logan, Sophie McShera, Lesley Nicol, Penelope Wilton, Douglas Reith,. Kevin Doyle, Harry Hadden-Paton, Raquel Cassidy, Michael Fox, Imelda Staunton, Tuppence Middleton, Dominic West, Laura Haddock, Hugh Dancy, Nathalie Baye, Jonathan Zaccaï. Valoración:  |
—Alerta de spoilers: Presento las historias principales pero no revelo nada importante.–
Con el rotundo éxito de la primera película estrenada en cines de la popular serie Downton Abbey estaba claro que veríamos más entregas. Eso sí, esta tiene mucho sabor a final definitivo, así que no sé si harán más.
Una nueva era es un título que parece anunciar por fin grandes cambios sociopolíticos, algo que se tenía mucho en cuenta en las historias en las primeras temporadas pero luego se fue dejando de lado, según la visión conservadora de su autor, Julian Fellowes, y su enamoramiento con los personajes se iban imponiendo. Pero la realidad es que pocos cambios hay, y la mayor parte resultan anecdóticos o ajenos a la mansión y sus habitantes.
El motor o macguffin en esta ocasión es bastante más apasionante y fluye mejor en verosimilitud (con algunos peros pequeños) y conexión con los personajes que la exagerada visita de los reyes del anterior capítulo. Un equipo de rodaje de Hollywood con actores famosos solicita utilizar Downton Abbey como localización en algunas escenas, y la familia acepta porque pagan bien y cada vez les cuesta más hacer dinero sin dar el callo.
Hugh Dancy (Hannibal, 2013) como el director, y Laura Haddock (Transformers: El último caballero, 2017) y Dominic West (The Wire, 2002) como los intérpretes, llegan para revolucionar la dinámica de la hacienda, mostrando tanto a nobles como al servicio visos de los nuevos tiempos, de otras formas de vida, y de la realidad del cine y los famosos. La producción choca con el repentino e inesperado nacimiento del cine sonoro, que deja a quien no se adapte en la estacada, pero en un par de requiebros bastante rebuscados pero graciosos algunos habitantes de la mansión terminan colaborando e incluso logrando que la producción salga adelante.
En el proceso han aprendido mucho sobre sí mismos y otros valores. La entrega de Lady Mary por abrir frentes y probar cosas para sacar adelante la hacienda sigue asentando su posición como relevo al frente de la familia, y su entereza y responsabilidad también se ven cuando enfrenta las dudas sobre su matrimonio. Daisy y Andy por un lado y Mrs. Patmore con el granjero por otro afianzan sus situaciones amorosas con intrigas tragicómicas sencillas pero entrañables. Mr. Molesley pone a prueba su educación y talento al meter las narices en el rodaje, lo que le abre puertas inesperadas.
Vuelve a haber algunos personajes esenciales muy dejados de lado. Si bien acepto que no hay tiempo para todo, se echa de menos a Mrs. Hughes y los Bates. Pero el único punto débil destacable es Thomas Barrow de nuevo. El mayordomo estirado y homosexual reprimido ve nuevas posibilidades de abrirse y tener más libertad gracias a la conexión que establece con el actor y la promesa de una nueva vida; sin embargo, como viene siendo habitual, Fellowes no se atreve a entrar de lleno en el asunto, apenas ofrece unas sutilezas que quedan lejos de ser suficientes para dar un cierre como merece el personaje: ¿dónde está la pasión y el romance que sí le permite a las relaciones de otros? Así que de nuevo cabe preguntarse por qué le dio por navegar por senderos que luego ha querido evitar.
La odisea de la producción cinematográfica ha sido una buena trama por sí sola y una idea muy buena para agitar Downton Abbey, para, como es habitual, ofrecer infinidad de historias cruzadas de personajes encantadores y actores muy compenetrados. Contando solamente esa parte, habría resultado un episodio más entretenido y mejor hilado que el anterior. El problema es que hay otra historia paralela que supone un lastre importante, que desequilibra bastante el conjunto.
A la condesa Violet le cae encima una inesperada herencia, una mansión en la costa francesa. Aquí entramos en uno de los momentos más culebronescos de la serie: que si la abuela tuvo una aventura, que si se pone en duda la pureza del nombre de la familia, y encima paralelamente se juega con una forzada intriga sobre una posible enfermedad de Cora. Pero tras el sensacionalismo de la premisa no hay nada que despierte mucho interés, Fellowes lo narra todo con una desgana bastante decepcionante. En la parte de la herencia, los personajes son muy, muy, muy lentos deduciendo cosas, así que todo llega con cuentagotas, con requiebros cansinos; y cuando por fin deducen el asunto no muestran ninguna emoción concreta, no se genera ninguna controversia, sólo el cabeza de familia tiene alguna tribulación, y nada llamativo. En la de la enfermedad, los indicios y secretos son muy forzados y tramposos, y la supuesta tragedia en ciernes resulta más cargante que tensa. Para el desenlace, como ha hecho el autor en otros líos semejantes, barre todo debajo de la alfombra, aquí no ha pasado nada, ni siquiera quedan lecturas, consecuencias ni cambios de ningún tipo.
Si al menos esta sección moviera a los personajes implicados, pero me temo que todos se ven embargados por la desidia. Llega a parecer una excusa para sacar a los que sobraban de la mansión a la hora del tema del rodaje. Los Branson no hacen nada de nada, él ya dejó cualquier atisbo de inquietante rojo revolucionario y es un pijo estirado más, aplaudiendo que les vaya a tocar una casa en la playa; su esposa es un florero, desperdiciando a la siempre deliciosa Tuppence Middleton; Lady Edith tiene un par de diálogos de relleno para recordarnos que es periodista, pero nada útil para aportar algo a su personalidad, y menos aporta su marido. Maud Magshaw (Imelda Staunton) no sé qué pinta aquí, es un remanente de la anterior película; apenas algunas gracias con Carson sobre el contraste entre lugares tienen algo de sustancia, pero no mucha. Es que ni siquiera se ha esforzado en dotar de vida a los franceses que protagonizan el conflicto, los Montmirail (Nathalie Baye y Jonathan Zaccaï).
Danzando por las dos tramas están Violet e Isobel, pero desde que su enemistad eterna quedó apaciguada la relación perdió mucho fuelle. Al menos, los chistes sobre el choque entre ancianos y jóvenes son divertidos. El problema es cuando nos centramos en Violet, en una historia esperada desde hace tiempo, y Fellowes arrastra esa falta de energía, ahogando un momento muy relevante del personaje, de toda la serie, en la indiferencia, en un mero trámite a cumplir, cuando tenía que emocionar y conmover con intensidad.
No falla otro de los sellos de la serie, el acabado impecable. Los productores siempre han buscado un ritmo más que ágil trepidante y a la vez una imagen preciosista, algo nada fácil dado el ingente número de personajes en acción y los cambios de escenario constante. Sus numerosos directores y directores de fotografía han salido siempre airosos con un acabado deslumbrante, y los aquí seleccionados mantienen el tipo. Difícil cansarse de los grandes angulares por las estancias de la mansión, de los planos generales de los jardines, del juego de protagonistas danzando por las habitaciones, banquetes y veladas con una precisión y a la vez sensación naturalidad hipnóticas… Lo único que acusa desgaste es la banda sonora, también deliciosa por lo general, pero John Lunn lleva tiempo acomodado, por no decir estancado, y no encandila como antes.
Ver también:
– Temporada 1 (2010) 
– Temporada 2 (2011)
– Temporada 3 (2012) 
– Temporada 4 (2013)
– Temporada 5 (2014)
– Temporada 6 y final (2015)
– La película (2019)
-> Una nueva era (2022)
Poco puedo añadir que no haya dicho ya en las temporadas anteriores, porque 
El estancamiento de los protagonistas venía siendo grave, pero aquí se ha convertido incluso en un retroceso. Por fin habíamos visto el nacimiento de Saul Goodman, Kim había cobrado tanta presencia y con una personalidad tan magnética que se hizo indispensable. Pero nos vamos a una rebuscada broma contra su antiguo empleador, Howard Hamlin. ¿De dónde sale esa inquina a Howard, sobre todo cuando ya han salido de su órbita? Saul está viendo prosperar su negocio en los márgenes de la ley, ha asumido que un trabajo normal no es para él, y Kim se encuentra a gusto ayudando a gente indefensa en vez quemando su energía por ser una abogada corporativa. Pero cada dos por tres dejan sus quehaceres, traicionan unas vidas en las que después de tantos tormentos se sienten felices y realizados para liarse a hacer gamberradas propias de tiempos pasados. Es decir, toda la temporada gira alrededor de un argumento que no está mínimamente justificado, así que están completamente fuera de lugar en la trayectoria de los protagonistas.
Nacho llega al final de su viaje sin que haya aportado algo que parezca útil en el entramado. Al menos, desde que terminó de cobrar protagonismo ha sido bastante simpático, y su odisea de supervivencia es intrigante. Pero su desenlace deja ese vacío, ese pensamiento de «Y todo esto, ¿para qué?». En dirección contraria ha ido Mike Ehrmantraut, un secundario que al ganar presencia en la serie madre terminó llegando a ser un rol fascinante, un asesino a sueldo capaz y frío cuando debe serlo, pero también un ser humano cercano y fiel a los suyos. Por ello resulta chocante como ha quedado tan infrautilizado. Dos breves y predecibles disputas con sus colegas de profesión (con Gus sobre el destino de Nacho y con Tyrus -el otro asesino- sobre cómo hacer las cosas) es todo lo que da de sí en esta etapa. La llamada telefónica a su hijastra y su nieta no hace sino recalcar el error en el planteamiento: cuando más vínculos familiares había forjado, lo lanzan en la otra dirección sin trabajarse unas razones concretas.
Es más, conforme se agota la poca inspiración que había, ha ido llegando la brocha gorda y los agujeros de guion, tanto en el otrora cuidado al detalle (que en una serie supuestamente seria y de primera división aparezcan los silenciadores mágicos de las pistolas propios del cine de acción cutre…), como en el esfuerzo por la construcción metódica de escenarios y giros: la batalla con que acabó la temporada anterior fue puro humo, y sus consecuencias dan lugar a un caos de situaciones sin pies ni cabeza. A estas alturas no sé qué motiva a Gus y los Salamanca, qué rencilla arcaica los tiene siempre buscándose las cosquillas, por qué se suceden la mitad de sus encuentros y algunos acaban bien y otros en desavenencias, por qué desarrollan tal o cual plan…
Acabamos la temporada con el pretendido pero en realidad muy previsible golpe de efecto en que Lalo vuelve a la vida de Saul y Kim, donde para rematar, ya queda del todo patente que los enredos con Howard Hamlin han sido tiempo perdido que barrer bajo la alfombra.
Donde no hay pegas de nuevo es en la labor de los actores. Bob Odenkirk quedó consagrado ya en la primera temporada y su implicación no se ha visto mermada con los vaivenes del rol. Rhea Seehorn mostraba maneras, y deslumbró cuando el protagonismo creciente se lo permitió. Y los secundarios mantienen el tipo, destacando a un brillante Patrick Fabian en los momentos más bajos de Howard.
Jake Adelstein, nacido en Missouri, EE.UU., en 1969, se mudó a Japón con 19 años y estudió literatura japonesa en la universidad Sophia, una de las privadas más importantes del país. En 1993 consiguió ser contratado en uno de los periódicos de mayor tirada, el Yomiuri Shimbun, donde trabajó durante 12 años. No sólo fue el primer periodista no japonés en entrar en un puesto tan codiciado, sino que además se especializó en la yakuza. Tras ese periodo se volvió a Estados Unidos, donde siguió investigando las implicaciones internacionales de la yakuza para el Departamento de Estado y publicó dos libros sobre sus experiencias. Uno de ellos, Tokyo Vice: Un periodista estadounidense en la policía japonesa (2009), estuvo a punto de ser una película protagonizada por Daniel Radcliffe en 2013, pero terminó en suspenso hasta que decidieron seguir adelante como serie de televisión.
Me alegro de que haya acabado como serie, porque recuerdo el caso de 
El ambicioso Jake Adelstein (Ansel Elgort, dado a conocer en la saga Divergente -2014-) está obsesionado con Japón y la Yakuza, y se mata a estudiar para enfrentar retos que ningún extranjero se ha planteado: conseguir trabajo en un gran periódico, codearse con la policía, infiltrarse en el crimen organizado… Y a pesar de las trabas culturales, idiomáticas y otras extra (el racismo imperante en el país), su tesón, inteligencia, carisma y valentía lo van acercando a su meta. Sin embargo, no tardamos en vez que no es un ser perfecto: la razón principal de su estancia en Japón es evitar enfrentar los problemas que arrastra con su familia en Missouri.
Hay unos pocos secundarios que terminan de redondear una visión del periodismo, la policía, el hampa y los clubes muy completa y que muestra distintas perspectivas. En el periódico tenemos una fauna desde simpática (los compañeros de promoción) a incómoda (los jefes conservadores), pero destaca la inmediata superiora, la coreana Eimi (Rinko Kikuchi), en el típico puesto medio indispensable pero volátil: congenia con Jake, pero cualquier paso en falso con los superiores acabaría con el despido de ambos. En la policía, Jin Miyamoto (Hideaki Itô) representa al jeta que se aprovecha de la corrupción metiendo mano en todos los trapicheos. En la yakuza, tenemos a los inquietantes capos, el estricto Tozawa (Ayumi Tanida) y el más abierto Ishida (Shun Sugata). En los clubs, otras chicas desgraciadas, como la rusa Polina (Ella Rumpf), la fauna local, como el aprovechado de Akira (Tomohisa Yamashita), etc.
El acabado es bueno, con un pulso firme en la dirección y una buena fotografía, y un presupuesto holgado que permite muchas localizaciones por las calles y locales de Tokyo, de manera que la ciudad luce de maravilla. Pero cabe señalar que del trabajo de Michael Mann en el primer episodio a los siguientes directores se nota una diferencia estilística y de calidad llamativa. Es como si no intentaran seguir el tono marcado por él, sea porque está a un nivel inalcanzable o porque la pandemia paralizó el rodaje al poco de empezar y cuando se resumió tuvieron que ir con prisas porque perdían dinero con el retraso. De ser la primera posibilidad, sería una cagada estilística importante, así que apuesto por la segunda.
Donde antes había suspense en las intrigas, pasión por estas historias sobre Japón, y una férrea conexión con los personajes, conforme avanza va apareciendo desgana, desapego e incluso momentos chocantes. En vez de ser los autores conscientes de ello y tratar de arreglarlo, la escritura se va descuidando, recurriendo a la brocha gorda y el efectismo, cayendo en escenarios poco trabajados, soluciones muy dirigidas y sin garra, o incluso con pérdida importante de credibilidad. Hay alguna escena, como la del inteligente Katagiri yendo al almacén a pesar de que es obvio que es una trampa, que rozan la vergüenza ajena.
Está claro que en esta nueva versión de la saga de 
La premisa es la misma amenaza vaga de siempre en todas las obras de Alex Kurtzman: la inminente destrucción del mundo conocido. Este tipo no es capaz de concebir otra situación que ponga en movimiento a los personajes. Y esta vez además la ambienta en los dos peores escenarios recurrentes que ha dado la saga, y de los que ya venían abusado demasiado en 
Ahora tienen que escapar de un malvado imperio donde Picard es un general genocida. Como indicaba, es la misma parida de los terranos: un pretexto para mostrar el lado malo de la Federación y poder hacer un reset al final que no deje secuelas en el mundo real. Estos son los capítulos mejor valorados del año, y aunque a mí ya me parecían puro humo, desde luego son más amenos y cohesionados que todo el sinsentido que viene después.
La nueva línea estaba latente, y si de primeras se sentía fuera de lugar, tampoco logra adquirir sentido cuando nos centramos en ella. Es tan artificial, chapucera y con un desenlace tan lamentable como las anteriores. Un científico loco, Adam Soong, interfiere en los planes de los protagonistas con aviesas intenciones. El tipo toca todos los palos de la maldad de cine y series cutres: hace clones que desecha de mala manera, vive en una guarida llena de tecnología, acepta cualquier plan maquiavélico que le cae encima (Q, la reina borg), pone muecas varias y tiene arrebatos violentos…
Si la temporada venía apuntando bajo, el tramo final es espantoso. Las tropas que atacan la mansión Picard disparando en formación de círculo por capas, es decir, que deberían matarse a sí mismos, pero por suerte son de esos enemigos que no atinan una, esos túneles que salen de la nada, los melodramáticos flashbacks de Picard dosificados hasta la extenuación, el villano de dibujos animados para críos, los surrealistas giros finales con los borg…
Se amaga con desarrollar un proceso de humanización en Picard. El oficial ejemplar con un gran sentido del deber y la moral pero pocas aptitudes sociales enfrenta en la vejez heridas del pasado que no ha tenido la valentía de abordar: una familia rota, maltrato, secretos oscuros. Cabe destacar que fue el propio Patrick Stewart quien sugirió estas ideas, basándose en su propia infancia. Pero pronto se ve todo supeditado a los vaivenes de la trama, se siente como un elemento ajeno al personaje, puesto sobre él por la fuerza. Cada mínimo avance se debe únicamente al momento de tensión o revelación que necesiten los autores en su caótica escritura. Es verdaderamente decepcionante el tratamiento que hacen los autores de la soledad, los traumas familiares, los pasos no dados por cobardía… Todos estos temas se quedan en nada, en burdos trucos dramáticos y de suspense con los que sazonar la estulta premisa de correr por distintos escenarios para salvar el universo. Así que Picard es un ente vacío: Stewart deambula de acá para allá sin coherencia emocional y narrativa alguna, soltando diálogos lastimeros mientras apenas puede mantenerse en pie por su avanzada edad. La redención del mítico capitán Picard llega tarde y muy mal.
Los secundarios ya conocidos siguen en la misma tónica: aburridos peleles que sueltan mucha cháchara vacía y tienen diversas vivencias que no aportan nada concreto a sus formas de ser, y los pocos amagos con ir hacia alguna parte son pronto desechados según las necesidades de los nuevos escenarios. La doctora Agnes Jurati, cuyo único rasgo de personalidad es el viejo cliché de ser inteligente y antisocial, tiene un amago con poner a prueba su lado oscuro y dilemas básicos del bien y del mal cuando se enfrenta a la reina Borg, pero nada, se desecha todo en pos de una sucesión de escenas cómicas, de acción y drama de lo más vulgares. La incursión en la fiesta acumula una serie de despropósitos alucinantes. En adelante, no queda nada que rascar, se ve completamente relegada a elemento de la trama. La actriz Alison Pill, la más competente del reparto, ni sabe qué hacer con semejante destroce de personaje.
En lo de desaprovechar a los borg está también Siete de Nueve. ¿Para qué la incluyen si no van a profundizar en su relación con ellos, en su conflicto interno? En toda la temporada solo tiene una escena en que se aborde el tema, pero es un sufrimiento casual y breve, se levanta, dice estar bien, y a seguir con sus aventuras. Estas las comparte con Rafi, uno de los personajes más planos y cansinos que he visto… y que por desgracia se ve superado aquí con su extraño amigo el elfo/romulano Elnor, que aporta lo mismo que en la primera temporada, sopor extremo. Rafi y Siete hacen de todo, pero no hacen nada. Se patean medio Los Ángeles en pos de esos objetivos aleatorios y cambiantes, con problemas y peligros improvisados, anecdóticos y sin emoción ni por lo general sentido. La química que hay entre Jery Ryan y Michelle Hurd, con un royo lésbico incipiente, no basta para salvar lo insulsas que resultan.
Si estos deambulan sin rumbo, no digamos ya los secundarios que mantienen para cumplir con los contratos de los actores o los homenajes a las series previas. Orla Brady era Laris, la asistente de Picard en el presente, con la que tiene una relación amorosa en tensión; pero en el pasado también aparece, no esperes que se explique por qué, convertida en una especie de observadora temporal. Adam Soong es la versión maligna de Data, más concretamente un antepasado de su creador Noonien Soong; los autores nos deleitan con un villano tan arquetípico, pueril y disparatado que resulta hilarante, y Brent Spinner, que en 
Otro problema incomprensible es que para las series de cabecera de Paramount Television Studios ofrecieran tantísimo dinero (8-10 millones de dólares por episodio) y estas tenga una puesta en escena tan pobre. La comparación de 
Como resultado, 
Moon Knight o Caballero Luna fue creado por el escritor Doug Moench y por el dibujante Don Perlin en 1975. Aunque llegó a tener su propia tirada de cómics, nunca ha pasado de ser un personaje muy secundario, casi olvidado, hasta que lo han recuperado en la lluvia de adaptaciones de Disney/Marvel. La miniserie ha corrido a cargo de los guionistas Jeremy Slater y Doug Moench. El primero se presentó con dos títulos infames, Cuatro fantásticos (2015) y Death Note (2017), pero fue asentándose en series como El exorcista (2016) y The Umbrella Academy (2019). El segundo pone su experiencia en el género ganada en numerosas series de animación de Marvel y DC. La llevan a imágenes tres directores igual de poco conocidos: Mohamed Diab, Justin Benson, Aaron Moorhead.
El primer episodio presenta lo esencial sin sorpresas, pero con suficiente gracia y ritmo. Un protagonista desconcertado intentando encontrar su lugar en el mundo, el nacimiento del superhéroe, la presentación del villano… Oscar Isaac está como siempre espléndido, Ethan Hawke es lo justo de inquietante. El conflicto de múltiples personalidades promete dar giros inesperados al viaje del héroe, la intriga egipcia es sugerente. La narrativa es ágil y el humor también, e inesperadamente parece más oscura y violenta de lo habitual. El flojo acabado de las escenas de acción y los efectos especiales serían el punto más débil.
Los dos siguientes capítulos siguen atascados en el punto de partida, sin aportar nada sustancial a lo ya presentado. Los intentos de incluir peligros secundarios para tapar huecos no funcionan: las peleas a puños por las calles de El Cairo o la reunión con un supuestamente inquietante rico son forzados y sin emoción alguna. Seguimos de paseo con las dobles personalidades, atascados una y otra vez en los mismos escenarios y conflictos. E inesperadamente el estilo oscuro se deja de lado por uno cada vez más distendido y humorístico.
La sugerente intriga egipcia acaba siendo un sinsentido con unas formas infantiles cada vez más incómodas. Está claro que intentan darle un toque de humor para intentar que un argumento tan surrealista entre mejor, pero está muy lejos de funcionar, suma puntos al tono cargante.
El cuarto episodio parecía encarrilar las cosas hacia lo único que podría salvar la serie: la aventura de exploración y arqueología. Es el más entretenido y vistoso, con un aire añejo a clásicos del género, como La momia (Karl Freund, 1932; Terence Fisher, 1959) e 
Y a estas alturas, a pesar de tanto reincidir sobre la dinámica entre sus personalidades, aparte de un trauma infantil obvio y demasiado melodramático y remarcado hasta la saciedad, todavía no sé quién es el protagonista: de dónde viene, cómo ha llegado a donde está, qué lo mueve. Acaba siendo un arquetipo cansino de la pareja cómica de opuestos exprimida en incontables series y películas: el tipo decidido pero con un pie en el mal y el buenazo demasiado blando que deben entenderse y dar lo mejor de cada uno para salir adelante. En la versión Marc Spector, los breves apuntes a su pasado como mercenario son intrigantes, pero no llevan a nada; y la torpeza de Steven Grant es cansina, las mismas situaciones vistas una y otra vez desde su presentación en el museo. Apenas se menciona otra personalidad, así que todo el prometedor micro-universo planteado dentro de su cabeza no da nada de sí. La conexión con la de los rizos es igual de trillada: complicidad, roces y romance de manual, sin química alguna ni momentos que rescatar.
La dirección es caótica, con un montaje precipitado infame (hay gazapos cantosos en las posturas de los personajes). Quizá la idea era darle un ritmo trepidante a un guion escueto y repetitivo, pero hace falta un talento que estos directores están lejos de mostrar. En las escenas de acción es aún peor, todo un galimatías de movimientos frenéticos donde no se entiende nada. Empeora todo con unos efectos especiales de risa: cómo cantan las pantallas de fondo (menudos esperpentos la escena de la azotea en El Cairo y la persecución del primer episodio), qué justito el diseño y texturas de los dioses. El cartón piedra de los decorados no deslumbra, pero aguanta mejor el tipo. Algunos vistosos parajes naturales del desierto o distintas zonas de El Cairo apenas valen para dar la sensación de superproducción televisiva, y desde luego queda muy por detrás de las series que llevamos, en especial Loki y 
La segunda temporada de 
La temporada en sí pudo ponerse en marcha en primavera de 2021, estrenándose en febrero de 2022, con la tercera ya anunciada. Se asemeja mucho a la primera en su trayectoria algo caótica. Después de dejarnos con la mayor parte de los personajes en vilo (rupturas amorosas, peleas familiares, de todo), se para demasiado a asentarlos de nuevo en vez de seguir yendo a por todas. Luego se lanza en un tramo central memorable, donde hace gala de una visión e imaginación asombrosas, para de nuevo ir decayendo más de la cuenta en el desenlace.
Lo primero que salta a la vista es el notable cambio en la fotografía, donde han pasado del digital al celuloide. La intención de Levinson y del director de fotografía Marcell Rév es la de no repetirse, la de perseguir nuevos estilos y recursos. Pero no cabe duda de que también buscaban realzar la diferencia entre el idilio de Rue con las drogas en el primer año, donde todo eran colores fríos agradables, una atmósfera etérea, onírica, y la caída al abismo en este, marcada por un aspecto visual más basto, rojizo, descolorido. También se presta a otros experimentos muy llamativos, como la loca tragicomedia que mezcla de realidad y ficción en la obra de teatro del final de temporada.
Como en la etapa anterior, el acto central es notoriamente superior al resto, con en punto álgido de la mayor parte de los personajes (sobre todo Rue estrellándose a lo grande) mostrado mediante una puesta en escena brillante que atrapa los sentidos y te zarandea por un por un viaje al infierno tan fascinante como incómodo. Sólo podría poner la pega de que Zendaya me pareció mucho más implicada en su episodio especial que en el centrado en cuando toca fondo, donde no logra estar tan trágica como se espera.
Mención especial merece Lexi Howard, la chica tímida que de tapadillo acaba siendo el eje central de esta temporada. Es muy buen ejemplo de «persona normal» que se considera aburrida, que no se tiene en cuenta, como si no tuviera problemas ni nada que aportar. Pero ver que sus familiares y amigos se autodestruyen en vez de intentar hacer algo con sus vidas no es poco tormento: ¿los abandonas o intentas interceder? Ella lo hace de una manera inesperada, buscando su propia realización personal a través de una obra de teatro que muestra su perspectiva de las cosas. Levinson se mete en un berenjenal complicado en cuanto a puntos de vista, la autocrítica y la responsabilidad de cada uno, y si bien tiene muchos buenos momentos, no termina de explorarlo como podría, desviándose con el señalado sensacionalismo.
Estas no podían ser más opuestas en estilo. La primera es un drama en clave de comedia ligera que muestra siempre una cara amable, siendo capaz de hacerte ver la vida con renovada energía. La segunda es trágica y sórdida hasta resultar espeluznante, sólo apta para quien busque experiencias fuertes. Pero también tienen muchos puntos en común, pues ambas abordan sin tapujos los problemas de los adolescentes, en especial los relativos a la maduración afectiva y sexual, esenciales para entrar al mundo adulto y vivir en sociedad.
Euphoria (manteniendo el mismo nombre de la original) nos presenta unos adolescentes marcados por tragedias familiares que los han empujado hacia diversos problemas, en especial el consumo de drogas, baja autoestima, acoso escolar, dificultades con el sexo… Partimos inevitablemente de algunos estereotipos para poder abarcar diversos ejemplos comunes, pero a partir de ahí, Levinson desarrolla unos individuos muy humanos, desde entrañables a despreciables, que navegan por las dificultades de la vida arrastrando sus propios conflictos personales.
Rue es la protagonista principal, y lleva el relato con su voz en off que va presentando distintas situaciones y personajes, pues los episodios van centrándose en uno u otro según les vaya tocando el punto álgido de sus historias.
Euphoria es una serie muy de emociones, no sólo por los dramas que viven los personajes, sino porque Sam Levinson es muy hábil a la hora de jugar con la narrativa para introducir de lleno al espectador en la atmósfera deseada. Por ello, aparte de estar al frente de la sala de guionistas también dirige todos los episodios que puede: es difícil poner por escrito sus ideas visuales para que otros puedan rodarlas adecuadamente.
Así que Levinson deslumbra con una labor de dirección soberbia, llena de imaginación y talento, pero no se quedan atrás sus colaboradores: la virtuosa fotografía de Marcell Rév, la música tan original y versátil de Timothy Lee McKenzie (con su grupo Labrinth), que oscila entre el synthpop, el soul y el rythm & blues…
Sin embargo, los excesos también traen empachera, tropiezos, bajones de interés… Hay partes donde el equilibrio entre forma y contenido no cuaja del todo, lo que a veces implica que la narrativa peca de sensacionalista, con el delirio visual imponiéndose hasta tener incluso algún momento cargante. En otras ocasiones se atasca un poco en contenido, frenándose la complejidad e interés de las historias de los protagonistas, con lo que aparece la impresión de que se acerca demasiado al tono convencional y predecible habitual del género. En esto último destaca el tramo final, el que a pesar apuntar al clímax de cada arco en la clásica fiesta de fin de curso, donde cabría esperar capítulos al nivel del de la feria, resulta que se estanca demasiado en los tópicos, no ofrece giros sorprendentes ni desenlaces o puntos y aparte que impacten. Así que el desenlace deja un regusto un tanto amargo depués de haber apuntado tan alto.
Desde su estreno ha generado muy buena impresión entre la crítica y el público, y también generó polémicas. No pocas voces y organizaciones conservadoras claman contra ella intentando censurarla simplemente por mostrar la vida con toda su crudeza, no una versión edulcorada que engañe a los espectadores. Es evidente que pocas obras dirigidas a público joven pueden enseñar y hacer reflexionar tanto como esta, pero los mojigatos los prefieren no enfrentar la realidad. Por suerte, la HBO no se amilana ante estas sandeces.
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Tragando series 